Pubblicato in: Arte, Scienza & Tecnica

Lidar Mapping. Scoperti 60,000 nuovi templi Maya. – Nature.

Giuseppe Sandro Mela.


2020-06-05__Nature Lidar Mapping 013

«In archaeology, there are few watershed moments, when a technological breakthrough changes everything. But the invention of radiocarbon dating in the 1940s brought one such revolution, by providing a consistent, worldwide system for placing archaeological material in chronological order»

«A more-recent transformative innovation is the airborne application of a remote-sensing technique called light detection and ranging (lidar) to create a model (also known as a digital-elevation model) of the bare-surface terrain that is hidden by trees in forested areas»

«Lidar is changing archaeological study of the ancient Maya in Mexico and Central America»

«It is increasing the speed and scale of discovery, and reshaping our understanding of the antiquity of monumental-scale landscape alteration»

«Lidar requires an aeroplane or drone to fly over the area of interest. Laser pulses are emitted and signals bouncing back generate what is termed a point cloud of data points»

«Expert image processing and prodigious computer capacity can then yield models of bare terrain from which the vegetation has been digitally removed. In areas where dwellings, platforms, pyramids and even palaces can be obscured by high-canopy vegetation, a bare-terrain model yields something close to a topographic map of the surface. Straight lines and corners in a bare-terrain model suggest elements that have human rather than geological origins»

«Generating such models might not sound impressive for arid landscapes, but it is a game changer where high-canopy trees obscure the view. Lidar images from one plane flight can provide more information than can be generated by decades of conventional archaeological surveys»

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«Advanced laser mapping has revealed more than 60,000 ancient Mayan structures beneath the jungles of northern Guatemala.

Set across dozens of hidden cities, the discoveries include houses, palaces and a 90-foot-tall pyramid that was previously thought to be a hill.

Made possible through special laser-equipped airplanes that can “see” through dense jungle, the groundbreaking research suggests that Mayan metropolises were far larger and more complex than previously thought.

Evidence of agriculture, irrigation, quarries and defensive fortifications were widespread, and extensive road networks point to initially unknown levels of interconnectivity between settlements.»

«Known as the earliest form of non-residential architecture in the Maya lowlands, E Groups were used for naked-eye astronomy. Some, such as those found by Inomata and colleagues, were built up to 3,000 years ago and, interestingly, they pre-date even a clear footprint of settlement in the form of dwellings and villages»

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Patricia A. McAnany. Large-scale early Maya sites in Mexico revealed by lidar mapping technology

Nature. doi: 10.1038/d41586-020-01570-8

In archaeology, there are few watershed moments, when a technological breakthrough changes everything. But the invention of radiocarbon dating in the 1940s brought one such revolution, by providing a consistent, worldwide system for placing archaeological material in chronological order. A more-recent transformative innovation is the airborne application of a remote-sensing technique called light detection and ranging (lidar) to create a model (also known as a digital-elevation model) of the bare-surface terrain that is hidden by trees in forested areas1. Lidar is changing archaeological study of the ancient Maya in Mexico and Central America. It is increasing the speed and scale of discovery, and reshaping our understanding of the antiquity of monumental-scale landscape alteration. Writing in Nature, Inomata et al.2 provide a prime example of this in their study of the region of Tabasco in Mexico that borders the Usumacinta River.

Lidar requires an aeroplane or drone to fly over the area of interest. Laser pulses are emitted and signals bouncing back generate what is termed a point cloud of data points. Expert image processing and prodigious computer capacity can then yield models of bare terrain from which the vegetation has been digitally removed. In areas where dwellings, platforms, pyramids and even palaces can be obscured by high-canopy vegetation, a bare-terrain model yields something close to a topographic map of the surface. Straight lines and corners in a bare-terrain model suggest elements that have human rather than geological origins.

Generating such models might not sound impressive for arid landscapes, but it is a game changer where high-canopy trees obscure the view. Lidar images from one plane flight can provide more information than can be generated by decades of conventional archaeological surveys. As a veteran of pre-lidar survey techniques and an archaeologist who works in the humid tropics that are associated with ancient Maya civilizations, I have spent thousands of hours of fieldwork walking behind a local machete-wielding man who would cut straight lines through the forest. This process creates a grid within which we archaeologists proceed on foot to locate any structures present. Then, after more machete-cutting to reveal the corners, shape and height of ancient constructions, the structures could finally be mapped.

This time-consuming process has required years, often decades, of fieldwork to map a large ancient Maya city such as Tikal in Guatemala and Caracol in Belize. At Caracol, laborious clearing and mapping were under way for decades before lidar quickly revealed the full extent of the agricultural terraces and settlement1. Bare-terrain models produced by lidar imagery include coordinate information (such as latitude and longitude) that can be used to ‘ground-truth’ the results by examining the specific physical site. Machete-cutters are still needed during this ground-truthing step.

Airborne lidar has been of benefit for the study of other archaeological sites in tropical forests, such as those at Angkor Wat in Cambodia3. Lidar data have revealed artificial reservoirs built around the temples there, yielding subtle hints about the limits to the resilience of this complex hydraulic system. This research has also underlined the vastness of the landscape modifications undertaken by people of the Khmer Empire4.

Back in the tropical forests of Petén in Guatemala — the heartland of Maya ‘divine’ rulers during the Classic period (ad 250–800) — is a region called the Maya lowlands that archaeologists have studied nearly continuously since the mid-twentieth century. Intriguing because of its hieroglyphic writing system, naturalistic sculpture and painting style, and adroitness in maize (corn) farming, Classic-period Maya society was organized politically around dozens of royal courts. Archaeologists have lavished much attention on these courts, but only a small fraction of the landscape beyond and between them has been mapped using conventional methods.

To remedy this, a large lidar programme was initiated5. The resultant bare-terrain models show a landscape that was intensively and deliberately modified by humans in a way that would easily have escaped detection by even the most seasoned conventional field mappers. The spatial continuity of landscape modifications can be more obvious when viewed from above rather than at ground level. Inomata and colleagues echo this point in reference to their key finding: the discovery of massive, ancient platforms made of clay and earth, measuring about 400 metres across and 1,400 metres in length, at Aguada Fénix in the Usumacinta region of Tabasco, which lies at the western boundary of the Maya lowlands. These platforms date to between 1000 and 800 bc. In the northern part of the Maya lowlands, where the forest is more scrubby but no less impenetrable than the Tabasco forest, a similar lidar ‘reveal’ is happening with equally profound results69.

In comparison with the Maya region farther east and the region to the west associated with Olmec societies (known for colossal stone heads from the second to first millennium bc), Tabasco has taken a back seat in terms of archaeological investigations during the past century, despite its position between those two regions. That changed when Inomata and colleagues decided to conduct a survey in twenty-first-century style using lidar. This was not a random ‘fishing expedition’ to discover whatever they could find. Instead, their search focused on a type of construction called an E Group (Fig. 1). Known as the earliest form of non-residential architecture in the Maya lowlands, E Groups were used for naked-eye astronomy10. Some, such as those found by Inomata and colleagues, were built up to 3,000 years ago and, interestingly, they pre-date even a clear footprint of settlement in the form of dwellings and villages.

Archaeologists seek to understand which came first in the development of community life — sedentary life in a fixed dwelling, or periodic gatherings for group-based ritual activities, such as religious or astronomical observances. The former was generally thought to have paved the way for the latter, but newer evidence is emerging to suggest it was the other way around.

Human ancestors might first have come together to mark the change of seasons observable in the movement of the Sun or other celestial bodies across the sky or along the horizon. E Groups (Fig. 1) contain a low mound or pyramid on the western side of an architectural complex with an elongated platform on the eastern side. Looking from the western structure aids the viewer to witness sunrise during the winter and summer solstices, which are visible along the northern and southern corners, respectively, of the eastern platform (which is elongated from north to south). Brilliantly simple in design, this type of construction was built, over and over again, up and down the Usumacinta region and throughout the Maya lowlands to the east.

Using the revealing ‘eyes’ of lidar, Inomata and colleagues document 16 instances of E-Group constructions during the first millennium bc. These were built on top of massive rectangular platforms. The platform at Aguada Fénix is the largest of any such platform discovered from this early time period, and Inomata and colleagues suggest that it might be the largest Maya construction built before Spanish invaders arrived. On the basis of the site’s absence of excavated stone sculpture depicting rulers — such as the colossal heads found from the same time period in the Olmec region — the authors argue that these constructions were truly public architecture and not built at the behest of rulers. If so, then why were they built so large, and abandoned only hundreds of years later (as indicated by radiocarbon-dating information from the authors’ excavations)? And how far to the east and west of Aguada Fénix can such arrangements of a huge platform with an E Group be found? Strictly speaking, this architectural pattern is not a strong characteristic of the central Maya lowlands to the east nor of the Olmec region to the west.

Many questions remain for further research, but there is no doubt that lidar is continuing to transform archaeological research in forested regions. At Aguada Fénix, in particular, the lidar data coupled with Inomata and colleagues’ excavations substantially deepen our understanding of the social transformations that occurred there, and strengthen the argument that public architecture on a monumental scale pre-dated village life in eastern Mesoamerica. These findings will lead some to cast a critical eye on the proposed link between public architecture and hierarchical rulership, given that the latter seems to have commenced in the Maya lowlands hundreds of years after the construction of the Aguada Fénix site. The fact that Inomata and colleagues’ research took three years, rather than three decades, also demonstrates the powerful way in which lidar is facilitating the rapid detection and investigation of the past by offering a way of peering through the veils of the forest canopy.

Pubblicato in: Arte, Senza categoria

Raffaello. La Trasfigurazione ed i suoi bozzetti.

Giuseppe Sandro Mela.


Raffaello. Trasfigurazione. 001

Raffaello Sanzio, 1483 – 1520, non dovrebbe aver bisogno di presentazione alcuna: fu un sommo artista, frutto del rigoglio spirituale ed intellettuale di quel periodo tardo medievale che alla fine culminò nel rinascimento.

La sua produzione artistica in meno di un ventennio è strabiliante: ognuna delle sue opere è un capolavoro, ammirato nei secoli.

La sua ultima opera è la Trasfigurazione. Una composizione artistica sulla quale sarebbe da ritornare, contemplandola. L’opera, incompiuta, fu portata a termine da Giulio Romano.

Raffaello. Trasfigurazione. Particolare. 002

«la più celebrata, la più bella e la più divina” dell’artista». [Vasari, Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori, 1568.]

Raffaello. Trasfigurazione. Particolare. 003

«Nel 1516 il cardinale Giulio de’ Medici mise su una sorta di competizione tra i due più grandi pittori attivi in Roma, Raffaello e Sebastiano del Piombo (alle cui spalle stava l’amico Michelangelo), ai quali richiese una pala ciascuno da destinare alla cattedrale di Narbona, la sua sede vescovile. Raffaello lavorò piuttosto lentamente all’opera, tanto che alla sua morte era ancora incompleta e vi mise sicuramente mano Giulio Romano nella parte inferiore, anche se non si conosce in quale misura. La sua opera riguardava la Trasfigurazione di Cristo, che era fusa per la prima volta con l’episodio evangelico distinto della Guarigione dell’ossesso.

Opera dinamica e innovativa, con uno sfolgorante uso della luce, mostra due zone circolari sovrapposte, legate da molteplici rimandi di mimica e gesti. Forza drammatica è sprigionata dal contrasto tra la composizione simmetrica della parte superiore e la concitata gestualità e le dissonanze di quella inferiore, raccordandosi però sull’asse verticale fino all’epifania divina, che scioglie tutti i drammi.» [De Vecchi-Cerchiari, pag. 217]

«La pala accosta per la prima volta due episodi trattati nel Vangelo secondo Matteo: in alto la Trasfigurazione di Gesù, su una collinetta, con gli apostoli (Pietro, Giovanni e Giacomo) prostrati per la sfolgorante manifestazione divina di Gesù, affiancato dalle manifestazioni sovrannaturali di Mosè ed Elia, profeti nelle cui parole si prevedeva l’accaduto; nella parte inferiore i restanti apostoli che si incontrano con il fanciullo ossesso, con gli occhi sbiechi e circondato dai parenti, che sarà miracolosamente guarito da Gesù al ritorno dal Monte Tabor. Tale innovazione iconografica è probabilmente da ascrivere alla volontà di aggiungere spunti drammatici per meglio competere con Sebastiano del Piombo e il suo tema, la Resurrezione di Lazzaro, già naturalmente dinamico.

In alto a sinistra si affacciano poi i santi Felicissimo e Agapito, la cui festa si celebrava il 6 agosto, giorno anche della solennità della Trasfigurazione: si tratta quindi di un inserto legato a un significato liturgico. Secondo altri si tratterebbe invece dei santi Giusto e Pastore, protettori di Narbona. Interessante è il dolce paesaggio del tramonto che si vede sulla destra, una rara notazione che chiarisce l’ora del giorno.

Particolarmente spettacolare è l’uso della luce, proveniente da fonti diverse e con differenti graduazioni, nonché l’estremo dinamismo e la forza che scaturisce dalla contrapposizione tra le due scene. In definitiva si tratta di due composizioni circolari, una parallela al piano dell’osservatore, in alto, e una scorciata nell’emiciclo di personaggi in basso. Il gesto di Cristo che si libra in volo sollevando le braccia, estrema sintesi personale dell’energia michelangiolesca, era già stato sperimentata in figure minori di affreschi o in opere come la Visione di Ezechiele, anche se qui acquista una vitalità e un’eloquenza del tutto inedita, dando il via a reazioni a catena che animano tutta la pala. Come nel testo evangelico, “il suo volto risplendette come il sole, le sue vesti divennero bianche come la luce” (Mt, XVII, 1-9).

La nube che lo circonda sembra spirare un forte vento che agita le vesti dei profeti e schiaccia i tre apostoli sulla piattaforma montuosa, mentre in basso una luce cruda e incidente, alternata a ombre profonde, rivela un concitato protendersi di braccia e mani, col fulcro visivo spostato a destra, sulla figura dell’ossesso, bilanciato dai rimandi, altrettanto numerosi, verso la miracolosa apparizione superiore. Qui i volti sono fortemente caratterizzati e legati a moti di stupore, sull’esempio di Leonardo da Vinci e opere come l’Adorazione dei Magi.

La diversità tra le due metà, simmetrica e astrattamente divina quella superiore, convulsa e irregolare quella inferiore, non compromettono però l’armonia dell’insieme, facendone “un assoluto capolavoro di movimento e organizzazione delle masse, in cui figure singole e gruppi di eccellente fattura si combinano con grandi moltitudini in un mobile insieme di grande vitalità”. Lo stesso Vasari ricordò l’opera come “la più celebrata, la più bella e la più divina” dell’artista. Sull’asse verticale si consuma infatti il raccordo verso la straordinaria epifania del Salvatore, che scioglie tutto il dramma della metà inferiore in una contemplazione incondizionatamente ammirata.» [Fonte]

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Si noti lo strabismo divergente del giovane indemoniato.

Questo che segue è il più famoso bozzetto, studio di scuola.

Raffaello. Trasfigurazione. Particolare. 004

Ma questa che segue è una litografia, attribuita al Dürer, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden.

Peccato che ben pochi la menzionino.

Raffaello. Trasfigurazione. Particolare. 005

Pubblicato in: Arte, Economia e Produzione Industriale

Neolitico. 6,000 anni fa si produceva già la birra in una società evoluta.

Giuseppe Sandro Mela.


2020-05-15__Neolitico 001

Gli archeologi che studiano il neolitico avevano già localizzato dei siti ove erano state riscontrate tracce della fabbricazione di birra: il sito di Hierakonpolis—HK 11C, vicino all’odierna Edfu in Egitto ed il sito Tell el-Farkha, sempre in Egitto nella parte orientale del Delta, a circa 120 kilometri a nord-est del Cairo.

«The oldest structure (known as Feature 192/201) is archaeologically dated to the Naqada IIB–C period (3600–3500 BCE). It was arranged as parallel rows of vat sets, and it measured 6 meters by 3.4 meters. There were 13 circular installations (or sockets) in which the vats were originally seated and their contents were heated. Two large ceramic vats were preserved in situ. One of the vats contained charred organic residue from the cooking or heating of the grain, which was subjected to archaeobotanical and chemical analysis.»

Nella Feature 192/201 è stata trovata una vera e propria fabbrica di birra, con file parallele di tini e 13 alloggiamenti circolari per riscaldarli: sono rimasti conservati due grandi tini di ceramica.


Con viva sorpresa degli archeologi, Herr Heiss e Collaboratori sono riusciti ad individuare una produzione di birra anche nell’Europa continentale in siti coevi: Hornstaad—Hörnle IA, situato nel banco del Lago di Costanza, Sipplingen—Osthafen, sempre sul Lago di Costanza, Zürich—Parkhaus Opéra, datato con criteri dendrocronologici tra il 3234 a.C. ed il 2727 a.C.

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Negli ultimi decenni l’archeologia del neolitico ha compiuto consistenti passi in avanti che ci consentono di rivedere criticamente i concetti che avevamo di tale periodo.

Tuttavia, gli studi sulla birra, la sua produzione ed il reperto di vere e proprie fabbriche stabili e dedicate alla sua produzione apre nuovi orizzonti. Indicano soprattutto l’esistenza di un consistente tessuto sociale ed economico. Non è solo la pregevolezza delle tecniche usate, alquanto complesse e prima non supposte esistere cinquemila anni fa: una produzione semi-industriale presuppone la contemporanea presenza di rapporti commerciali a vasto raggio e, quindi, anche la esistenza di vie di comunicazione ragionevolmente sicure e la presenza di merci con cui scambiare la birra prodotta. In altri termini, oltre alla produzione, fatto già questo sorprendente, dovevano esistere persone che si dedicavano sia al trasporto sia alla commercializzazione del prodotto.


Heiss AG, Azorín MB, Antolín F, Kubiak-Martens L, Marinova E, Arendt EK, et al. (2020)

Mashes to Mashes, Crust to Crust. Presenting a novel microstructural marker for malting in the archaeological record.

PLoS ONE 15(5): e0231696.


The detection of direct archaeological remains of alcoholic beverages and their production is still a challenge to archaeological science, as most of the markers known up to now are either not durable or diagnostic enough to be used as secure proof. The current study addresses this question by experimental work reproducing the malting processes and subsequent charring of the resulting products under laboratory conditions in order to simulate their preservation (by charring) in archaeological contexts and to explore the preservation of microstructural alterations of the cereal grains. The experimentally germinated and charred grains showed clearly degraded (thinned) aleurone cell walls. The histological alterations of the cereal grains were observed and quantified using reflected light and scanning electron microscopy and supported using morphometric and statistical analyses. In order to verify the experimental observations of histological alterations, amorphous charred objects (ACO) containing cereal remains originating from five archaeological sites dating to the 4th millennium BCE were considered: two sites were archaeologically recognisable brewing installations from Predynastic Egypt, while the three broadly contemporary central European lakeshore settlements lack specific contexts for their cereal-based food remains. The aleurone cell wall thinning known from food technological research and observed in our own experimental material was indeed also recorded in the archaeological finds. The Egyptian materials derive from beer production with certainty, supported by ample contextual and artefactual data. The Neolithic lakeshore settlement finds currently represent the oldest traces of malting in central Europe, while a bowl-shaped bread-like object from Hornstaad–Hörnle possibly even points towards early beer production in central Europe. One major further implication of our study is that the cell wall breakdown in the grain’s aleurone layer can be used as a general marker for malting processes with relevance to a wide range of charred archaeological finds of cereal products.


Understanding the role of alcoholic beverages in the evolution of prehistoric societies is fundamental, yet unravelling their patterns of production and consumption is a challenging task. This is especially true for one of the supposedly most ancient and widely spread of these drinks–beer. Beer and other alcoholic beverages play complex roles in human societies and, as a consequence, their significance for prehistoric communities has been under discussion for decades. The archaeology of beer is today a highly active field, relating the beverage to the complex social processes involved in the beginnings of agriculture, to social bonding and stratification in general, and to the formation of social elites in particular. Its ritual and dietary role has been extensively investigated in ancient states with written and iconographic records but our knowledge of the occurrence and manufacture of ancient beer is highly incomplete. Tracking beer in the archaeological record as precisely as possible would therefore result in fundamentally novel insights on human societies in the past. However, archaeological beer finds are still rare and highly contested due to insufficiently explicit criteria, or a missing consensus on the criteria. We present here a discussion of possible markers for beer production from a novel approach: histological evidence observed in charred archaeological crusts and lumps of cereal products as an indication for the beer product itself. ….

Archaeobotanical case studies.

In Egypt, some insights into Predynastic brewing have already been obtained from three sites–Abydos, Hierakonpolis, and Tell el-Farkha. Excavations at all three sites have uncovered installations that may well be connected with brewing, involving actual brewing vat contents. At Abydos, the residues contain wheat, but presumably emmer (Triticum dicoccum) instead of “common wheat” as originally stated. Two further sites, both dating to the New Kingdom, have provided important evidence for the sequence of the ancient brewing method: Deir el-Medina and the Workmen’s Village at Amarna. In our study, charred crusts and lumps of emmer-based cereal products retrieved from the 4th millennium BCE brewing installations in Hierakonpolis and Tell el-Farkha were re-evaluated in order to test the consistency and reliability of thinned aleurone cell walls as indicators of ancient malting.»

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Michelangelo. La carotide destra del David. Il tratto del genio.

Giuseppe Sandro Mela.


2020-01-04__Mihelangelo David 001

Daniel M. Gelfman, MD

JAMA Cardiol. Published online December 26, 2019.


«On a recent trip to Florence, Italy, I observed Michelangelo’s David in the Accademia Galleria and was struck by an interesting observation: the external jugular vein on the right side of David’s neck is distended well above his clavicle. Classic physical diagnosis teaching tells clinicians to observe the height of the jugular veins to estimate central venous pressure (unless there is jugular venous outflow obstruction). Preferably, the internal jugular vein is used for observation, but often the internal jugular vein is difficult to visualize, and thus the smaller, less reliable, external jugular vein can be used, because it is more superficial and easier to see. Importantly, neither jugular vein is normally persistently visible above the clavicle at rest in the upright position, as it clearly is in the David (Figure). This finding on the David is a sign of elevated intracardiac pressures and possible cardiac dysfunction»


L’occhio ‘clinico’ di Michelangelo nel David anticipò la scienza

Scolpì la giugulare 100 anni prima della descrizione del sistema circolatorio

Oltre 100 anni prima che la scienza descrivesse la meccanica del sistema circolatorio e quindi anche della vena giugulare, Michelangelo la scolpì correttamente nelle sue opere, in particolare nel David. Un dettaglio che conferma il genio del grande scultore, pittore, architetto e poeta italiano in grado, con ‘occhio clinico’ e spirito di osservazione, di anticipare le scoperte della medicina. A rilevarlo è un articolo di Daniel Gelfman, del Marian University College of Osteopathic Medicine di Indianapolis, su Jama Cardiology. Se nelle sculture, e nella fisiologia quotidiana, la giugulare che va dalla parte superiore del busto attraverso il collo non è visibile, infatti, nel capolavoro del Rinascimento è “distesa” ed evidente sopra la clavicola del David. Il medico americano che ha visto la statua quest’anno a Firenze e’ stato il primo a notare il dettaglio. La distensione della giugulare può verificarsi anche per “elevate pressioni intracardiache e possibili disfunzioni”, ma il David è giovane e in ottime condizioni fisiche, quindi in lui è visibile per lo stato di eccitazione temporanea. “All’epoca della creazione del David – osserva Gelfman – nel 1504, William Harvey non aveva ancora descritto la vera meccanica del sistema circolatorio. Non avvenne fino al 1628”

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Il genio di Michelangelo non dovrebbe avere bisogno alcuno di presentazione.

Una scultura come il David si commenta da sola. Ed è solo una tra le sue tante opere.

Michelangelo aveva dato esauriente risposta a chi gli aveva chiesto come avesse fatto a scolpire la Pietà Vaticana: tre mesi di scultura e nove mesi di levigatura. Un cura maniacale dei particolari.

“ho preso il blocco di marmo ed ho tolto il superfluo”.

Si scolpisce dapprima con la mente, e solo secondariamente con le mani.

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Epifania. Un tema che punteggia l’evoluzione pittorica. Galleria.

Giuseppe Sandro Mela.


2020-01-06__ Giotto 001

Treccani ci fornisce la descrizione del termine ‘Epifania’.

«[dal lat. tardo epiphanīa, gr. ἐπιϕάνεια, in origine agg. neutro pl., «(feste) dell’apparizione» e quindi «manifestazione (della divinità)», da ἐπιϕανής «visibile», der. di ἐπιϕαίνομαι «apparire»]. ….  La festività, che ricorre il 6 gennaio, in cui si commemora la visita dei re Magi a Gesù in Betlemme; …. Il termine, che nel mondo religioso greco indicava le azioni con cui la divinità si manifestava, passò nel mondo cristiano a designare la celebrazione delle principali manifestazioni della divinità di Gesù Cristo (battesimo nel Giordano, adorazione dei Magi e primo miracolo), restringendosi nella Chiesa occidentale e nella tradizione popolare a indicare la venuta e l’adorazione dei Magi.»

Questa festa è particolarmente cara a tutti gli eminenti pittori perché consente di esprimere nello stesso contesto sia la divinità di Nostro Signore, sia la Sacra Famiglia, sia infine il mondo che assiste all’evento.

È un ottimo tema per gustarsi le rappresentazioni tardo medievali ed inizio rinascimentali. I sommi pittori furono sicuramente figli dei propri tempi, ma agirono anche con la forza del bello a modificarne gli indirizzi.

2020-01-06__ Giotto 002

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Giotto ha affrescato almeno due celebri Epifanie.

Nella prima, si noti lo scarno contesto ieratico, e le figure tutte di profilo, tranne il palafreniere, raffigurato con un volto affrescato in modo magistrale.

Nella seconda scompare la tettoia, rimpiazzata da una architettura davvero molto elaborata. A sinistra, inizia a far capolino il mondo dell’epoca: povere tuniche di gente comune.

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2020-01-06__ 001 Adorazione dei magi Masaccio

Con il Masaccio la figura della Beata Vergine si staglia a sinistraper il manto celeste, ma il mondo compare in netta evidenza a destra. Vestiti secondo l’epoca dell’artista, con vesti per quei tempi ricercate. Tranne San Giuseppe ed un’altra figura, tutti rappresentati di profilo, quasi in processione.

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2020-01-06__ 002 Adorazione dei magi Botticelli

Con Botticelli il quadro muta, quasi improvvisamente. Il Bambino e la Madonna sono messi in posizione preminente, in una costruzione diroccata a testimonianza del mondo transeunte. Ma tutto attorno il mondo rifulge nel suo attuale splendore. Vesti complesse e suntuose, a destra ed a sinistra due figure rappresentate a pieno volto, in posizioni naturali. Emblematica la figura a destra: sguardo fiero, conscio del proprio intrinseco valore. Adorazione sì, ma da parte di un mondo sfarzoso. Alla fine, il soggetto che più spicca è la figura centrale, con il manto rosso ben drappeggiato.

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2020-01-06__ 003 Adorazione dei magi Leonardo

Leonardo. È incredibile la forza di questo bozzetto, che rimette la Sacra Famiglia al posto centrale, circondata da volti stupefatti per l’evento.

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2020-01-06__ 004 Adorazione dei magi Duerer

Il Dürer ripropone la centralità del Bambino e la maestosa figura della Madonna, ma i Magi sono rappresentati in vesti sfarzose, estremamente ricercate, testimonianza di dovizie, e spicca la figura del giovane negro: una delle prime a comparire nella pittorica rinascimentale. Dietro, come sfondo, le solite rovine di un mondo corrotto.

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2020-01-06__ 005 Adorazione dei magi Ghirlandaio

Con il Ghirlandaio il quadro si evolve: si noti la differenza tra il primo ed il secondo quadro. Qui la Madonna ed il Bambino sono incastonati tra una congerie di figure mondane. Pur conservando la posizione centrale, la Sacra Famiglia è quasi l’evento scatenante il tripudio delle forme e dei colori mondani. Per quanto di ottima fattura, queste fotografie certo non rendono appieno ciò che si può gustare vedendole di persona. Sono l’apoteosi della Weltanschauung medievale.

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2020-01-06__ 006 Adorazione dei magi Velasquez

Ma è con il Velasquez che l’Epifania assume una nuova, inedita dimensione. Non sono le figure, ma la luce che ascrive alla Madonna ed al Bambino il ruolo dominante. Il mondo è scomparso: resta solo l’intimità di una Sacra Famiglia, ove le candide vesti del Cristo diventano punto centrale: non sono drappeggiate, mentre lo sono le vesti della Beata Vergine. Tutti gli sguardi sono focalizzati sulle loro figure, e la Madonna è quasi mesta, con umana ritrosia a questo assembramento di persone adoranti. L’Epifania è rappresentata come evento familiare, nella sua piena religiosità.

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2020-01-06__ 007 Adorazione dei magi Caravaggio

Ma è il Caravaggio a raffigurare l’evento nella sua cruda realtà. Scomparsi tutti gli orpelli, la stalla è tornata ad essere una stalla, con pareti fatte da assi sgangherate.

Luci e colori ripropongono la Beata Vergine ed il bambinello.

Rispetta nella lettera e nella sostanza i Vangeli.

«Entrati nella casa, videro il bambino con Maria sua madre, si prostrarono e lo adorarono. Poi aprirono i loro scrigni e gli offrirono in dono oro, incenso e mirra»

Prima adorano, poi, e solo poi, offrono doni terreni.

Il mondo resta nella sua reale dimensione:

«Avvertiti in sogno di non tornare da Erode, per un’altra strada fecero ritorno al loro paese.»

Infatti Erode fece seguire la strage degli innocenti: questo è il mondo, nella sua malvagità.

Il punto nodale per comprendere l’innovazione del Caravaggio è ricordare il Vangelo secondo Luca.

«C’erano in quella regione alcuni pastori che vegliavano di notte facendo la guardia al loro gregge. Un angelo del Signore si presentò davanti a loro e la gloria del Signore li avvolse di luce. Essi furono presi da grande spavento, ma l’angelo disse loro: «Non temete, ecco vi annunzio una grande gioia, che sarà di tutto il popolo: oggi vi è nato nella città di Davide un salvatore, che è il Cristo Signore. Questo per voi il segno: troverete un bambino avvolto in fasce, che giace in una mangiatoia». E subito apparve con l’angelo una moltitudine dell’esercito celeste che lodava Dio e diceva:

«Gloria a Dio nel più alto dei cieli

e pace in terra agli uomini che egli ama».

Appena gli angeli si furono allontanati per tornare al cielo, i pastori dicevano fra loro: «Andiamo fino a Betlemme, vediamo questo avvenimento che il Signore ci ha fatto conoscere». Andarono dunque senz’indugio e trovarono Maria e Giuseppe e il bambino, che giaceva nella mangiatoia. E dopo averlo visto, riferirono ciò che del bambino era stato detto loro. Tutti quelli che udirono, si stupirono delle cose che i pastori dicevano. Maria, da parte sua, serbava tutte queste cose meditandole nel suo cuore.

I pastori poi se ne tornarono, glorificando e lodando Dio per tutto quello che avevano udito e visto, com’era stato detto loro.»

Alla nascita del Cristo l’Angelo di Dio fu mandato ai pastori, che credettero, ed andarono ad adorarlo per primi.

Ci si pensi bene.

A quei tempi i pastori erano per maggior quota delinquenti ricercati, che cercavano di sopravvivere rifugiandosi negli eremitaggi dei pascoli. La loro testimonianza non era ammessa nei tribunali israeliti.

Bene. L’Angelo di Dio annuncia proprio a questi la nascita di Gesù, e questi credono a quanto loro detto, al punto da sfidare la sorte ed andare nella città ad adorare il Bimbo: avrebbero potuto essere arrestati. L’Angelo non va dai potenti o dai sapienti: va proprio da questa feccia umana e la converte.

Orbene. Il Merisi, il Caravaggio, elimina dal quadro dell’Epifania il mondo e si riporta al testo evangelico, nella sua crudezza.

Prima si dipinge nella mente, poi, molto dopo, con colori e pennelli.

Pubblicato in: Arte, Devoluzione socialismo, Fisco e Tasse

Francia. Macron strozza persino il Crazy Horse.

Giuseppe Sandro Mela.


2019-08-10__Crazy Horse

Il Crazy Horse è un qualcosa di unico al mondo.

Le ragazze del corpo di ballo hanno superato una selezione che ne accoglie solo una su cinquecento che vorrebbero lavorarvi. Provengono tutte dalla danza classica e dalla ginnastica artistica.

Infatti, se è vero che le ballerine danzano vestite di una parrucca, sarebbe altrettanto vero notare come già dopo pochi minuti si resta esterrefatti delle prestazioni professionali ginniche: più che ad uno spettacolo di varietà si starebbe assistendo a delle selezioni olimpiche.

La grazie tuttavia è tale che non permette di individuare immediatamente il severo sforzo muscolare, che deve essere dispiegato senza che trapeli il minimo senso di fatica. Anni di esercizi per realizzare show di pochi minuti primi.

Alla fine dello spettacolo ci si domanda come sia stato possibile raggiungere un simile grado di perfezione. Gli allineamenti non sgandano per più di un millimetro, nemmeno sotto sforzo massimo. Ed i volti sono costantemente sorridenti.

In poche parole, nel suo genere, è il top mondiale.

A fine carriera, ciascuna di quelle ballerine ha ottime credenziali per aprire una scuola di danza.

* * *

Ma il Crazy Horse ha un implacabile nemico,

una satanica belva assetata di sangue umano, mai sazia.

Mr Macron ed il fisco francese.

Su cento euro che entrano, settantuno devono andare al fisco. E mica che questi si dimentichi di taglieggiare poi a man bassa gli onorari delle ragazze, peggio dei magnaccia dell’angiporto di Marsiglia.

Come risultato, il Crazy Horse si è trovato a dover ridurre i prezzi dei biglietti, cercando di ripianare i conti aumentando il numero della clientela.

Ma il termometro della crisi ha condotta persino a prospettare dei


Special offer on Mondays & Tuesdays at 11 pm»

ad 87 euro a testa.

Poi, ci sono anche ingressi last minute.

* * *

Nota per futura memoria.

«Il 12 dicembre 2012, in ragione dell’elevata tassazione (75%) sui redditi più alti introdotta dal Governo di François Hollande, ha annunciato di aver trasferito la sua residenza a Néchin, un paesino in Belgio a pochi chilometri dal confine con la Francia. Fortemente criticato per la sua scelta (che segue una decisione analoga di altri ricchi francesi), il 16 dicembre ha dichiarato che avrebbe restituito il passaporto francese per prendere, oltre alla residenza, la cittadinanza belga e ha messo in vendita per 50.000.000 € la sua casa di Parigi; due giorni dopo ha anche fatto balenare la possibilità di acquisire la doppia cittadinanza italiana.

Sempre nello stesso periodo il presidente russo Vladimir Putin si è detto disponibile a consegnare a Depardieu il passaporto russo e ha successivamente firmato il decreto per la concessione della nazionalità russa il 3 gennaio 2013. Il 6 gennaio Depardieu ha effettivamente raggiunto la Russia nella quale, oltre a ricevere il passaporto russo, ha avuto l’occasione di pranzare con lo stesso Putin sul Mar Nero in vista delle festività natalizie ortodosse»

Pubblicato in: Arte, Devoluzione socialismo, Senza categoria

Trapassato remoto. Chi non lo conosca non saprebbe interpretarlo.

Giueppe Sandro Mela.


Grammatica Italiana 001

Treccani ci fornisce un’ottima definizione di cosa significhi il termine ‘lingua’.

«Sistema di suoni articolati distintivi e significanti (fonemi), di elementi lessicali, cioè parole e locuzioni (lessemi e sintagmi), e di forme grammaticali (morfemi), accettato e usato da una comunità etnica, politica o culturale come mezzo di comunicazione per l’espressione e lo scambio di pensieri e sentimenti, con caratteri tali da costituire un organismo storicamente determinato, con proprie leggi fonetiche, morfologiche e sintattiche».


Se è vero che il pensato necessita di idonee forme espressive, è altrettanto vero che la lingua riflette il contenuto del pensato. Le singole parole a tutti gli effetti rappresentano quanto è stato meditato nella mente e, nelle lingue vive, nulla da stupirsi se talora sia necessario coniare, ovvero anche importare, termini nuovi per esprimere idee nuove. Per puro esempio, né l’arabo classico né il cinese mandarinico classico hanno un termine per identificare ciò che in Occidente prende nome di ‘democrazia‘ oppure di ‘libertà‘: non avendone il concetto non necessitavano di termini per esprimerlo.

Ma le parole sono solo una parte, sia pur rilevante, di una lingua: di altrettanta importanza è la modalità con la quale esse siano interconnesse tra di loro.

Infine, la punteggiatura modula le frasi,arrivando al punto di stravolgere il significato di una sequenza di termini.

«Il re dice: il maestro è fesso»


«Il re, dice il maestro, è fesso.»

* * * * * * * *

Lo studio della grammatica e della sintassi della lingua italiana nei tempi andati era appannaggio delle scuole elementari. La maestra elementare svolgeva un compito della massima utilità sociale: insegnava ai bambini cosa fosse la lingua italiana, ad esprimersi in modo compiuto nella medesima, ed infine a comprendere cosa una certa quale frase avesse voluto dire.

Verbo linguistico.

«Nella grammatica tradizionale, parte del discorso che indica azione, stato, o divenire, in contrapposizione al nome, che indica sostanza o qualità; variabile secondo la flessione verbale, cioè la coniugazione, l’insieme delle forme di un tema che designa un’azione (temao radice verbale), determinate sul piano grammaticale da desinenze speciali (desinenze verbali). La flessione verbale si contrappone a quella nominale o declinazione.»

* * * * * * * *

Nel linguaggio corrente, di cui la barbara fraseologia giornalistica è esempio principe, le parole hanno perso il loro significato etimologico e corrente, la loro pristina definizione, generando in questa maniera una consistente confusione, che obbliga di sovente a dover ribadire come un termine usato sia stato definito.

I tempi verbali sembrerebbero essersi ridotti all’indicativo presente, futuro ed imperfetto.  Congiuntivo e condizionale sono diventi, si direbbe, optional per l’italiano colto.

La conseguenza è drammaticamente banale.

Chi non sappia usare correttamente i tempi ed i modi verbali resta impossibilitato di capire cosa voglia esprimere una frase formulata in italiano colto.

Ma così facendo, ricordando come i termini, nomi e verbi, servano a rappresentare foneticamente dei concetti, la persona incolta, o incolta di ritorno, si preclude la comprensione di concetti giusto un epsilon più complessi e raffinate di quelli del comune vivere.


L’uso all-purpose dell’imperfetto ne snatura la funzione.

Sempre Treccani infatti stabilisce che:

«L’imperfetto è un tempo passato del verbo, che indica principalmente simultaneità rispetto a un momento passato (Bertinetto 1986; Vanelli 1991). Dal punto di vista formale, è una forma semplice della coniugazione e appare nei modi finiti sia dell’indicativo sia del congiuntivo. ….

L’imperfetto indicativo indica la simultaneità nel passato rispetto a un momento nel passato (per questo nella tradizione grammaticale è considerato tempo relativo per eccellenza). Ciò significa che un enunciato con l’imperfetto raramente può star da solo senza riferirsi a un ancoraggio temporale, implicito o no. ….

Dal punto di vista dell’aspetto è una forma prevalentemente imperfettiva, dato che focalizza un evento che dura e ne sottolinea l’indeterminatezza: non dà informazioni né circa l’inizio, né circa la fine dell’evento stesso, bensì sul suo perdurare e la possibilità implicita che l’azione prosegua fuori dall’intervallo di tempo considerato»


Se l’uso dell’imperfetto si è imbastardito, quelle del trapassato remoto sembrerebbe essersi perso, eppure sarebbe ben importante saperlo usare e comprendere!

«Il trapassato remoto è un tempo verbale dell’indicativo e si usa per indicare un fatto avvenuto prima di un altro nel passato, definitivamente concluso e senza riflessi sul presente»

“Quando ebbe scoperto di aver perso, lasciò tutto”

“Non appena ebbe finito di piovere, l’orso uscì dalla sua tana.”

* * * * * * *

Alcune considerazioni, tra le tante possibili.

Di questi tempi ci si accontenterebbe che la gente formulasse frasi in modo comprensibile, mettendo un soggetto, un predicato ed un complemento.

La quantità di frasi emesse senza enunciare il soggetto è trasbordante: è semplicemente impossibile capire a cosa si riferiscano.

L’uso dell’indicativo, modo del verbo che di norma esprime oggettivamente la semplice enunciazione o la constatazione di un fatto e, soggettivamente, un’azione pensata o ritenuta reale, indurrebbe a ritenere che tutto il pensato fosse reale, cosa che al massimo potrebbe essere una pia speranza. Una cosa è pensare di essere ricchi ed una ben differenze l’esserlo.

Il fatto drammatico consiste nella constatazione che la gente parla per come pensa.

Chi parli in modo sgrammaticato ed irrispettoso della consecutio temporum denota semplicemente di avere una grossolana confusione mentale.

Ma la verità, e nemmeno la sua reale ricerca, può albergare nel disordine.

Pubblicato in: Arte

Vasari. Ritrovato il dipinto ‘Cristo Porta Croce’ del 1553.

Giuseppe Sandro Mela.



Giorgio Vasari: un grande.

«Giorgio Vasari (Arezzo, 30 luglio 1511 – Firenze, 27 giugno 1574) è stato un pittore, architetto e storico dell’arte italiano.

Il Vasari ebbe una vastissima rosa di interessi: fu infatti un pittore dallo spiccato gusto manierista, un architetto di certo pregio (realizzò il palazzo della Carovana a Pisa e il complesso fiorentino degli Uffizi) e infine eccelso storiografo. Il nome del Vasari, infatti, è legato in modo indissolubile alle Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori, una serie di biografie nella quale egli copre l’intero canone artistico teso tra Trecento e Cinquecento.

Giorgio Vasari nacque ad Arezzo il 30 luglio 1511 dal mercante di tessuti Antonio Vasari e da Maddalena Tacci. Ancora giovanissimo frequentò la bottega aretina del francese Guillaume de Marcillat, pittore di vetrate di buon talento; nello stesso periodo, frequentò le lezioni del poligrafo Giovanni Pollio Lappoli, dove ricevette una prima educazione umanistica, e si cimentò anche nell’architettura, realizzando il basamento dell’organo del Duomo detto Nuovo, ove si mostrò assai sensibile alle influenze michelangiolesche della tomba di Giulio II.

Successivamente, il giovane Vasari proseguì gli studi a Firenze, dove giunse per circostanze fortuite al seguito del cardinale cortonese Silvio Passerini, tutore dei rampolli di casa de’ Medici, i futuri cardinale Ippolito e duca Alessandro. Introdotto dal Passerini nella cerchia della corte medicea, Vasari approfondì la propria educazione umanistica, passando sotto la guida del letterato Pierio Valeriano; fu, inoltre, un frequentatore assiduo della bottega di Andrea del Sarto e dell’accademia di disegno di Baccio Bandinelli, artisti che gli fornirono strumenti essenziali, quali la perizia disegnativa e la capacità di composizione prospettica. Negli anni fiorentini, che egli ricorderà come i più felici della sua vita, Vasari conobbe inoltre Francesco Salviati, del quale godette l’amicizia per il comune interesse verso le opere dell’antichità classica. Proprio in ragione del loro entusiasmo condiviso i due visitarono Roma tra il 1531 e il 1532; nell’Urbe Vasari, insieme all’amico, studiò i monumenti antichi, le opere di Raffaello e Michelangelo ed i grandi testi figurativi della maniera moderna …. » [Fonte]


Fra le sue tante opere architettoniche vorremmo ricordare la ristrutturazione di Palazzo Vecchio, gli Uffizi, Palazzo della Carovana.

Dobbiamo al Vasari l’aver coniato i termine che da quel momento in poi designerà i tempi del 1500: Rinascimento.


Guardiamo adesso la fotografia del quadro.

Due soli particolari.

Sembrerebbe portare la Santa Croce con levità. Sembrerebbe. Osservate con attenzione l’inserzione giugulare dello sternocleidomastoideo destro, sotto tensione. E subito dietro il disegno del margine anteriore del muscolo trapezio.

Osserviamo quindi la mano destra. Essendo posta in alto rispetto all’articolazione del gomito ci si sarebbe aspettati che le vene fossero flosce, causa la gravità. Invece sono turgide per la forza della contrazione, e stranamente non compaiono rigonfie le vene dell’avambraccio. Ciò dipende dal tipo della presa, che il Vasari sembrerebbe aver studiato con la cura di un perito settore.


Che dire?

Vasari fu un Grande.

Ministero per i Beni Culturali. 2019-01-28. Vasari per Bindo Altoviti. Il Cristo portacroce

Le Gallerie Nazionali di Arte Antica presentano per la prima volta al pubblico dal 25 gennaio al 30 giugno 2019, nella sede di Galleria Corsini a Roma, un capolavoro recentemente riscoperto di Giorgio Vasari: il Cristo Portacroce, realizzato per il banchiere e collezionista Bindo Altoviti nel 1553. 

Il dipinto costituisce uno dei vertici della produzione dell’artista aretino e uno degli ultimi dipinti realizzati a Roma prima della sua partenza per Firenze.

Il ritrovamento si deve a Carlo Falciani, esperto studioso di pittura vasariana, che lo ha riconosciuto nel quadro registrato da Vasari nel proprio libro delle Ricordanze, indicandone la data e il nome del prestigioso destinatario. 

Il dipinto testimonia un momento assai importante dell’attività romana di Vasari, allora al servizio di papa Giulio III e della sua cerchia. 

Riportata nel suo contesto, l’opera si rivela un caso esemplare per capire le pratiche di lavoro di Giorgio Vasari e i caratteri peculiari della sua fortunatissima ‘maniera’.

In occasione della mostra è previsto un ciclo di conferenze sull’opera esposta e la figura dell’artista. Sarà inoltre pubblicato un catalogo (editore Officina Libraria) a cura di Barbara Agosti e Carlo Falciani.

La mostra e il catalogo sono realizzati grazie alla collaborazione e al supporto della Benappi Fine Art. Il dipinto è stato restaurato presso lo studio “Daniele Rossi” di Firenze.


“Ricordo come a dì XX di maggio 1553 Messer Bindo Altoviti ebbe un quadro di braccia uno e mezzo drentovi una figura dal mezzo in su grande, un Cristo che portava la Croce che valeva scudi quindici d’oro”. Con queste parole, il celebre pittore aretino Giorgio Vasari segnala nelle sue Ricordanze la realizzazione di un Cristo portacroce per l’importante banchiere fiorentino Bindo Altoviti. Il dipinto, passato nel Seicento nelle collezioni Savoia, era da tempo considerato perduto, finché non è stato identificato con questa tavola recentemente comparsa ad un’asta ad Hartford (USA). Un recupero straordinario che, grazie alla generosità dei proprietari, è oggi possibile esporre per la prima volta al pubblico.


Bindo Altoviti (1491-1556) è il prototipo dell’uomo di corte rinascimentale, dedito alle arti non meno che agli affari. Stimato da Michelangelo, che gli regalò uno dei cartoni della volta della Sistina, venne ritratto da Raffaello, Benvenuto Cellini, Francesco Salviati e Jacopino del Conte. Il suo celebre palazzo romano presso ponte Sant’Angelo, nella roccaforte del commercio bancario dell’Urbe, era «riccamente ornato di anticaglie e altre belle cose», tra cui le decorazioni ad affresco eseguite da Giorgio Vasari. Fiero sostenitore della fazione antimedicea, venne condannato in contumacia da Cosimo I e morì a Roma nel 1556.


Tra gli artisti legati a Bindo Altoviti, un posto d’onore spetta certamente a Giorgio Vasari. Le fonti ricordano infatti numerose opere a lui commissionate, a partire dalla celebre pala dell’Immacolata Concezione della chiesa di Ognissanti a Firenze (1540-1541) fino a questo straordinario Cristo portacroce del 1553. In quell’anno Vasari era a Roma ospite proprio del «cordialissimo messer Bindo», nella cui residenza romana affrescò anche la loggia con il Trionfo di Cerere, unica decorazione sopravvissuta alla distruzione del palazzo nel 1888 e dal 1929 ricollocata nel Museo di Palazzo Venezia. Si tratta delle ultime opere realizzate dal pittore a Roma, prima di tornare a Firenze per entrare al servizio dell’acerrimo nemico di Bindo Altoviti, Cosimo I de’ Medici.

Ansa. 2019-01-28. Vasari, a Roma un capolavoro ritrovato

Riapparso in un’asta, il Cristo portacroce fu dipinto nel 1553.

*ROMA – E’ la storia di un ritrovamento eccezionale quella del “Cristo portacroce”, capolavoro dipinto da Giorgio Vasari nel 1553, che dal 25 gennaio al 30 giugno è esposto per la prima volta al pubblico dalle Gallerie Nazionali di Arte Antica nella sede di Galleria Corsini a Roma. Il quadro, che l’artista aretino realizzò per il banchiere e collezionista Bindo Altoviti mentre era a Roma al servizio di papa Giulio III, viene dunque restituito alla collettività dopo esser stato considerato a lungo perduto. Della sua storia nel corso dei secoli si sa poco: acquistato dai Savoia, nel ‘600 molto probabilmente finì in Francia e poi se ne sono perse le tracce.

Fino ai nostri giorni, con la scoperta durante un’asta svoltasi ad Hartford (Usa), e l’identificazione avvenuta grazie all’intuizione di Carlo Falciani, esperto studioso di pittura vasariana. Osservando una foto, Falciani ha infatti riconosciuto il “Cristo portacroce” identificandolo nel quadro registrato da Vasari nel proprio libro delle Ricordanze.

Pubblicato in: Arte, Religioni

Notre-Dame. L’incendio distrugge l’Altare Novus Ordo e preserva quello del Vetus Ordo.

Giuseppe Sandro Mela.


La riforma liturgica voluta dai teologi postconciliari aveva imposto di erigere gli altari rivolti verso il popolo. Questo anche in chiese cariche di storia secolare.

Così il celebrante dava le spalle al Tabernacolo ma guardava il popolo, divenendo lui il punto centrale della liturgia.

Oltre al massacro teologico, furono perpetrati massacri artistici. Ce lo si ricorda chi avrebbe voluto far dare una mano di biacca sul Giudizio Universale della Sistina? Maurice de Sully, tipino dal carattere deciso, avrebbe spaccato il pastorale sulla schiena a chi avesse osato fare questo. Non lo ha fatto in prima persona: lo ha fatto il fuoco.

Ecco come compariva Notre-Dame post-conciliare prima dell’incendio: uno sfregio allo stile gotico.


Poi è arrivato l’incendio, che ha reso giustizia. L’Altare del Veturs Ordo è rimasto intatto, mentre quello del Novus Ordo ha fatto la fine che avrebbe dovuto fare fin dall’inizio: bruciato fino a scomparire.


Adesso vedremo come saranno ricostruiti gli interni del sacro tempio.

Constatiamo come al momento non si intravedano all’orizzonte architetti della tempra di Sugerius, Sancti Dionysii Abbas, colui che concepì la basilique SaintDenis. Speriamo che i restauratori almeno si leggano con frutto i suoi manuali: De Consecratione Ecclesiae A Se Aedificatae,  ed il Liber De Rebus In Administratione Sua Gestis.


Le Cattedrali gotiche sono sicuramente opere architettoniche, hanno aperto alla luce le Cattedrali, ma ancor più sicuramente sono un vertice teologico, un inno di pietra innalzato al Lumen de Lumine.